Selma Blair sonha em se mudar para Israel: "Espero trazer os ossos da minha mãe para cá"

A atriz norte-americana Selma Blair sonha em imigrar para Israel – como ela disse a uma audiência de centenas de pessoas na Conferência Anual das Federações Judaicas da América do Norte, que ocorreu em Washington na segunda-feira. “Meu sonho é fazer Aliyah para Israel. Eu tenho esperado por isso desde que eu era pequena”, declarou Blair, e continuou: “Minha mãe disse que seu sonho, quando ela se aposentar, é imigrar para Israel. Blair, 54 anos, que estrelou filmes como Seduction Games e Hellboy, falou honestamente sobre sua profunda conexão com o judaísmo e Israel, a alienação que ela experimentou em Hollywood após seus comentários após 7 de outubro e o preço pessoal e profissional que ela pagou. “Nunca duvidei da fé judaica. Eu duvidava, mesmo quando criança, da maneira como as pessoas tratavam essa crença. Mesmo quando criança, eu rezei para que eu pudesse enviar meus filhos para uma educação judaica", disse ela. De acordo com ela, as visões que ela foi exposta nas mídias sociais e na mídia após o ataque do Hamas a chocaram. "Eu vi coisas nas redes sociais e nas notícias e pensei: 'O que os judeus fizeram para merecer isso?'", Ela também se referiu aos eventos do campus nos Estados Unidos, e ao tratamento dos estudantes judeus, que ela descreveu como chocante em face do ódio e acusações dirigidas a eles. "Fui completamente dizimado em Hollywood" Blair também se referiu à tempestade de fevereiro de 2024, depois de postar um comentário no Instagram após uma postagem do ativista judeu americano Abraham Hamra. O post tratou de dois membros do Congresso, Rashida Tlaib e Corey Bush, que se opuseram a um projeto de lei destinado a impedir que aqueles que participaram do ataque de 7 de outubro entrem nos Estados Unidos. Em resposta, Blair escreveu

Agudo contra o Islã, incluindo um chamado para expulsar aqueles que apoiaram o terrorismo. Isso provocou críticas ferozes, e ela foi acusada de islamofobia. Mais tarde, ela emitiu um pedido de desculpas, no qual admitiu que acidentalmente misturou muçulmanos com islâmicos radicais e fundamentalistas, e que suas palavras feriram muitas pessoas que não pretendiam machucá-los. Ela imitou a resposta e expressou arrependimento. Mas agora, ela diz, ela acha que a tempestade em torno dessa reação foi apenas o início de uma desconexão muito mais ampla. "Eu respondi contra o terrorismo com algum sentimentalismo na página de um amigo iraniano-americano, e nós entendemos tudo errado. Eu deixei claro, mas fui poderosamente eliminado no meu círculo íntimo. Eu perdi meu agente, gerente, pessoal de relações públicas e mídias sociais. Qualquer amigo que eu tinha no negócio, na verdade. Todos”, disse ela. “Estou traumatizada desde 7 de outubro. Não como as pessoas que viveram, mas é uma coisa estranha, ser alguém que ama Israel e se orgulha dos judeus e viver os últimos três anos. Fui apagado. Fui completamente exterminado em Hollywood. É um clima severo. Eu sofri, e meu filho sofreu. Ele é onde ele experimenta muito, e eu acho que é triste. Eu gostaria que tivéssemos o apoio”, disse ela, enquanto gasava. Quando perguntada se havia pessoas ao seu lado, ela disse que alguns amigos mantinham contato com ela em silêncio, em mensagens e em telefonemas. Ela também descreveu um homem famoso, cuja identidade ela não revelou, que a conheceu para o jantar dois anos depois e pediu desculpas por não entender anteriormente a dor que ela havia experimentado. “Eu acho que você pode estar errado sem ser crucificado. Mas foi isso que aconteceu, e eu fiz o meu melhor para acompanhar isso. Este é um momento difícil na minha vida”, disse ela. Blair acrescentou que a comunidade

O judeu é o único lugar onde ela sente que pode falar livremente: "A comunidade judaica é o único lugar que eu posso falar sem gaguejar. Alguns dias atrás eu estava organizando um evento comunitário, e percebi que durante toda a noite eu não gaguejei, o que é algo que acontece comigo." Blair também revelou que ela está trabalhando em um documentário intitulado Hineni, que lida com o antissemitismo e seu tratamento de Israel. Ela diz que quer tentar entender a realidade atual e também apresentar vozes que discordam de seus pontos de vista. “Quais são as grandes mentiras e quais são as grandes verdades. Eu também gostaria de mostrar às pessoas que se sentem completamente diferentes de mim se elas estão dispostas a falar. Sempre pensei que se fôssemos boas pessoas, podíamos conversar entre nós. Em um discurso proferido em um evento da ADL em outubro passado, no qual ela já havia revelado o nome do projeto e sua intenção de conversar com pessoas cujas opiniões são diferentes das dela, Blair disse que o filme também incluiria fotografias em Israel, a fim de ilustrar aos telespectadores por que o país não é um conceito abstrato para os judeus, mas um lugar de profundo significado para eles. “Há silêncio. As pessoas não vêem a dor que causam, para os outros e para si mesmas, quando odeiam um grupo”, disse ela. A doença, acidente e luta pessoal a aparição de Blair na conferência também vem no contexto de um período pessoal bastante difícil, como ela admitiu. A atriz revelou em 2018 que havia sido diagnosticada com esclerose múltipla (EM), uma doença auto-imune crônica que danifica o sistema nervoso central. Ao longo dos anos, ela falou sobre lidar com a dor, dificuldades com o movimento e sintomas neurológicos, e também passou por tratamentos intensivos, incluindo quimioterapia e transplante.

Células estaminais da medula óssea. Sua luta foi documentada no filme Introdução, Selma Blair de 2021, e em seu livro de memórias Mean Baby. No mês passado, Blair também foi pego em um incidente incomum em um voo da Delta de Los Angeles para Nova York. Depois que o avião pousou no Aeroporto Kennedy, a atriz foi presa após relatos de comportamento violento em relação aos membros da tripulação. Dois comissários de bordo relataram ter sido feridos, e mais tarde foram acusados de agredir um policial e uma enfermeira no hospital para o qual ela foi transferida. Blair se declarou culpado por duas acusações de agressão de segundo grau e foi libertado sob fiança. Ao mesmo tempo, uma investigação federal foi lançada sobre o incidente que ocorreu no voo. Os representantes de Blair alegaram que ela tinha experimentado um evento médico durante o voo, e que ela não pretendia prejudicar ninguém. Eles também negaram relatos de que ela tinha tentado abrir a porta do avião. Em 30 de outubro, a atriz lançou um vídeo de desculpas, no qual ela disse que nunca pretendia machucar ou intimidar ninguém. Ela diz que agora está se concentrando em sua saúde e em seu filho. Em uma palestra em conferência, ela também procurou destacar as coisas que lhe dão a força para continuar. "Não tenho alegria. Quero dizer, estou contente, mas há uma sombra nele. Sobre tudo”, disse ela. “Nos momentos mais difíceis da minha vida, eu digo ‘Shema Israel’ uma e outra vez. Falo sempre a Deus e ao povo de Israel, e esta é a minha maior consolação.

DC: James Gunn e Peter Safran deixam os papéis, Marvel Man os substituirá

Um terremoto no topo da DC Studios: James Gunn e Peter Safran deixam suas posições como co-CEOs e executivos de estúdio, que eles mantiveram nos últimos quatro anos. Os dois não são totalmente separados do universo cinematográfico cuja construção foi confiada: eles continuarão a produzir projetos da DC, mas retornarão ao trabalho criativo em tempo integral. Em vez disso, Jeremy Lachem, ex-vice-presidente sênior de produção e desenvolvimento da Marvel, será nomeado presidente e diretor criativo da DC Studios. Lacham assumirá o cargo em 1o de dezembro e será subordinado a Dana Goldberg e Josh Greenstein, co-presidentes da Divisão de Cinema Skydance. Como parte de seu papel, ele liderará as atividades da DC em cinema, televisão e animação, e será responsável pelo conteúdo criativo, produções, mobilização de talentos e estratégia de estúdio. Lachem entra no papel com experiência significativa no Universo Cinematográfico Marvel, onde ele esteve envolvido na produção de alguns dos maiores sucessos da empresa, incluindo Homem de Ferro, Guardiões da Galáxia, Homem-Aranha e Os Vingadores. Ele até trabalhou com Gunn em filmes de Guardiões da Galáxia no passado, então os dois já estão bem familiarizados com o trabalho um do outro. Sua nomeação marca uma transição definitiva: quem quer que tenha sido um parceiro na construção do universo cinematográfico do grande concorrente agora tentará liderar o futuro da marca concorrente. Gunn e Safran foram nomeados para seus papéis em novembro de 2022 pelo CEO da Warner Brothers, David Zaslav. O objetivo era criar uma estratégia unificada que alinhasse a DC com o modelo da Disney e da Marvel, construindo um universo que abrangesse filmes, séries de TV e jogos. Em outras palavras: o objetivo era

Para salvar a divisão DC da Warner Studios, que lutou em concorrência com a bem-sucedida Marvel para tirar alguns sucessos, como Mulher-Maravilha e Aquaman. Gunn, um diretor e roteirista que entrou no papel do mundo criativo, tinha confiança na visão artística, enquanto Safran, um produtor veterano, trouxe consigo experiência de gerenciamento e produção. Durante seu mandato, uma série de sucessos significativos foram registrados. A série Penguin, estrelada por Colin Farrell, ganhou nove prêmios Emmy, e o Pismaker, a série spin-off de Esquadrão Suicida estrelado por John Cena, também recebeu reconhecimento e indicações. Ao lado deles estava a série animada Creature Commandos, e Gunn lançou seu reboot cinematográfico de Superman, que arrecadou US $ 618,7 milhões em todo o mundo. As últimas produções do estúdio também alcançaram sucesso comercial: a série Lanterns supostamente registrou dados de visualização bem-sucedidos, e o filme Clayface, produzido com um orçamento líquido de US $ 44 milhões, está no topo das paradas mundiais de bilheteria por duas semanas consecutivas e até agora arrecadou US $ 109 milhões em todo o mundo. No entanto, nem tudo correu de acordo com o plano. Um dos fracassos notáveis da era Gunn e Safran foi "Supergirl", dirigido por Craig Gillespie: o filme custou US $ 186 milhões antes das despesas de marketing e distribuição, mas arrecadou apenas US $ 126,4 milhões em todo o mundo. Agora, com o advento de Lacham, surge a questão sobre o que será dos planos de longo prazo de Gunn e Safran, que foram introduzidos no início de 2024 sob o título "Deuses e Monstros". Entre os projetos atualmente em desenvolvimento estão o filme Swamp Thing dirigido por James Mangold, uma versão de "Batman: The Brave and the Bold".

Sobre ela está Andy Moshiati (diretor da dupla de filmes "It") e uma série spin-off chamada Waller, estrelada por Viola Davis, que se concentrará em sua personagem dos filmes do Esquadrão Suicida. Não está claro qual dos planos permanecerá sob a nova gestão. Em um comunicado conjunto, o CEO da Skydance, David Allison Winon Kraze, co-CEO da empresa, disse que Gunn e Safran lideraram um período de mudanças significativas na DC, e que eles estavam agradecendo por suas contribuições para a marca. De acordo com eles, os dois ajudarão a mover o bastão para Lacham e continuarão envolvidos no processo. Gunn e Safran, por sua vez, disseram que estão orgulhosos do trabalho que fizeram nos últimos quatro anos, e que estão felizes em retornar ao trabalho criativo, incluindo trabalhar no próximo capítulo na jornada de Clark Kent e Lex Luthor no filme Man of Tomorrow – a sequência de Superman, também dirigido por Gunn, que já está na fase de pós-produção.

Russell Brand é condenado a 10,5 anos de prisão por estupro e agressão sexual

O comediante e ator britânico Russell Brand (51) foi condenado hoje a 10,5 anos de prisão, depois de ter sido condenado na semana passada por estupro e três acusações de agressão sexual contra quatro mulheres. A sentença foi proferida em um tribunal em Londres, quatro dias depois que o júri o condenou no final de um julgamento de quatro semanas. Na quinta-feira passada, Brand foi condenado por estuprar um fã que ele conheceu após uma performance stand-up em Londres em 2009, e três outros ataques sexuais que ocorreram entre 2004 e 2009. Ao mesmo tempo, ele é absolvido de duas acusações de estupro e de uma cláusula de tentativa de indecência. Depois que o veredicto foi lido, o juiz ordenou que ele permanecesse sob custódia até a sentença e deixou claro que ele deveria enfrentar uma sentença de prisão substancial. Durante o julgamento, o testemunho de seis mulheres descreveu casos de estupro e suposta agressão sexual, em um momento em que Brand era um dos artistas mais reconhecidos do Reino Unido. Entre outras coisas, ele foi condenado por agredir sexualmente um funcionário da MTV em uma festa em Londres, agredindo um funcionário da estação de rádio e agredindo um funcionário do Canal 4 britânico. A acusação o descreveu como um predador sexual calculado e manipulador, que explorou sua fama e status para conseguir o que queria. Brand negou durante todo o julgamento que ele havia cometido crimes sexuais. Em seu testemunho, ele admitiu que já havia sido obcecado por sexo e que havia usado sua publicidade para ter muitos relacionamentos sexuais, mas insistiu que todas as sessões eram consensuais. Seus advogados argumentaram que as investigações publicadas contra ele na mídia britânica afetaram os queixosos e dificultaram sua capacidade de receber um julgamento justo. O caso explodiu em setembro de 2023, após uma investigação conjunta dos jornais britânicos The Times e The Sunday Times e do programa de investigação do Channel 4 Dispatches.

A investigação trouxe testemunho de quatro mulheres que acusaram Brand de estupro, agressão sexual e abuso emocional. Brand rejeitou as alegações e alegou que era um ataque planejado contra ele. Após a publicação, uma investigação policial foi aberta que eventualmente levou à sua acusação. Brand, que se tornou famoso no início dos anos 2000 como comediante e apresentador de televisão e rádio no Reino Unido, mais tarde desenvolveu uma carreira em Hollywood e apareceu nos filmes Take Him to Greek e Arthur. Ele já foi casado com a cantora Katy Perry, e nos últimos anos tornou-se um influenciador de rede afiliado com teorias políticas, espirituais e conspiratórias. Apesar da condenação, o processo judicial não necessariamente terminou. De acordo com relatos no Reino Unido, a polícia continua a investigar duas outras alegações de estupro apresentadas contra Brand por outras duas mulheres. Neste momento, no entanto, nenhuma acusação foi apresentada contra ele.

Quem precisa de um cinema quando você pode ver Marilyn Monroe sob as estrelas?

Durante anos, o Festival de Cinema de Arava foi uma espécie de jóia cinematográfica escondida no coração do deserto, um evento boutique que atraiu os amantes do cinema que buscaram para si uma experiência de visualização diferente: do melhor da criação cinematográfica mundial aos clássicos da tela grande, como as paisagens de pradaria de tirar o fôlego servem como pano de fundo e as estrelas substituem as luzes da sala de cinema. Mas este ano, em seu 15o ano, uma mudança já pode ser anunciada: o festival se expandiu, a oferta de filmes aumentou e o número de filmes estrangeiros que listam sua estréia em Israel aumentou. Primeiro de tudo, por que se contentar com uma tela sob o céu aberto, se você pode ter duas? De fato, a tela familiar adjacente ao assentamento de Zukim se juntou a outra tela este ano, bem na entrada do assentamento, e a julgar pela presença no último fim de semana – se uma terceira área de visualização fosse adicionada, ela também seria preenchida. A fim de atender a crescente demanda de ano para ano pela experiência oferecida pelo festival, um impressionante complexo de glamping também foi estabelecido este ano em favor daqueles que desejam acompanhar a visão de Lina na tenda, no terreno muito deserto, e não nos quartos de hóspedes ou cabines de hóspedes onde os lugares estão se esgotando muito antes da abertura do festival. Por uma década eu venho a este festival, que se tornou uma data regular para mim no calendário cinematográfico, assim como os principais festivais em Jerusalém e Haifa. Eu amo a experiência de assistir que não tem paralelo em um cinema normal a trilha sonora que levou através do deserto e ecoa no silêncio que rodeia a caminhada para mim a sujeira para os complexos de triagem como a escuridão desce e, mais importante, a intimidade rara que permite conhecer alguns dos maiores cineastas do mundo que vêm para a pradaria e se misturam com o público. Sobre Tudo

Os vencedores são residentes de Zukim, o produtor de cinema Eyal Shirai e seu parceiro de artista Tinker, que este ano está apresentando um impressionante festival de exposições individuais na aldeia dos artistas no assentamento. Uma exibição especial é dedicada desta vez à memória da crítica de cinema e diretora artística Edna Fainero. Ela e seu marido Dan acompanharam o festival desde a sua fundação, e em seus primeiros anos era costume preceder as exibições com observações introdutórias, e ter conversas abertas com os criadores internacionais que vieram para a pradaria. Edna, que também era uma querida amiga pessoal, faleceu há seis meses, e o festival deste ano está exibindo filmes de Billy Wilder – em sua memória. Tente imaginar Marilyn Monroe em "Hot and Delicious" na tela do deserto gigante, e você vai entender por que este é o lugar para estar. O que nos leva aos filmes do festival que eu assisti. O filme francês "Palavras de Amor", de Rudy Rosenberg, descreve a relação carregada entre uma mãe solteira e sua filha adolescente que nunca conheceu seu pai. A história se passa na década de 1990, e é centrada em torno de Abigail, uma menina que anseia por conhecer o pai que a abandonou e sua mãe, que, entretanto, deu à luz outro filho, June, de outro pai. O desejo de reconhecimento e amor de Abigail a leva a embarcar em uma jornada nos passos de seu pai, uma jornada repleta de reviravoltas dramáticas e momentos emocionantes, incluindo uma busca por um cão desaparecido. O resultado é um drama familiar encantador e bem-humorado que mapeia com sucesso a complexidade dos laços familiares e da dor envolvidos em uma ausência emocional e real. As performances maravilhosas de Hapaziah Herzi ("Separações") e Noor Salaam interpretando a adolescente Abigail dão ao filme calor, vitalidade e profundidade emocional. Os anos 90 são também o período em que a história de "Goria" ocorre.

Um filme do diretor georgiano Leon Kogoashvili, apresentado no festival. O filme, representante da Geórgia para o Oscar Internacional de Cinema, ocorre na aldeia nos anos seguintes à dissolução da União Soviética, e menciona em seu estilo poético e excêntrico os filmes de Uttar Ussiliani e Amir Kosturica. Seu herói é o viúvo do criador de avelãs e luta para ganhar a vida, que se encontra apaixonado por um professor de canto que acaba de chegar à aldeia. A angústia econômica da Geórgia pós-soviética serve como pano de fundo para uma série de ocorrências e personagens estranhos: uma gangue ridícula de gângsteres, um concurso de rainhas da beleza em que o primeiro prêmio é um misturador de alimentos, uma clínica na qual para realizar a cirurgia dois pacientes devem ser colocados lado a lado e cabos de energia ligados ao carro, estudantes que praticam granadas de arremesso e uma cabra em fuga que os moradores competem pela captura. Tudo isso se junta a uma comédia humana absurda filmada em preto e branco, cheia do mesmo desprezo pela masculinidade georgiana que também conhecemos dos filmes do orador Kosashvili. "Connections", também mostrado nas telas da pradaria, é uma adaptação animada da graphic novel da artista canadense de quadrinhos Sarah Levitt, na qual ela lida com a doença de Alzheimer de sua mãe. O filme dirigido por Leah Nelson descreve dois processos relacionados à identidade: a cristalização da identidade queer de Sarah em São Francisco, onde ela chega e é contratada como ilustradora, e a desintegração da identidade de sua mãe (na voz de Julia Louis-Dreyfus) após a doença. O filme molda melhor o caráter comovente do pai da família (Brian Cranston), um acadêmico que é o centro de apoio e liberal da família. O estilo de desenho de Levitt também é a base da linguagem visual do filme:

Animação bidimensional em preto e branco enriquecido com imagens surreais que dá expressão a experiências emocionais que são difíceis de descrever por meios realistas. Se filmes como Waltz com Bashir já provaram o poder da animação para lidar com traumas pessoais e nacionais, Ties estende seus limites para distritos mais íntimos e cotidianos, onde as imagens refletem os sentimentos de confusão e perda gradual. O enredo deste filme também ocorre na década de 1990, que parece ter se tornado a década oficial do festival este ano. Assim, em seu décimo quinto ano, o Festival de Cinema de Arava cresceu e se expandiu, sem perder a intimidade que o tornou um evento tão especial. Ele continua a oferecer mais da mesma magia: ficar longe da rotina por alguns dias, e experimentar o cinema em condições que dão um significado renovado para a visualização compartilhada. Em uma era em que o cinema está encolhendo para telas privadas, o Prairie Festival continua nos lembrando, como todos os anos, como essa experiência de ver filmes juntos em uma tela gigante é a coisa real. E também por que às vezes vale a pena viajar para o deserto.

Filmes internacionais: Dia do Cinema retorna – com ingressos por US $ 10

O dia do filme será realizado nesta quinta-feira, 12 de novembro, e venderá ingressos para filmes israelenses, de Hollywood e internacionais a um custo de NIS 10, anunciou a Associação da Indústria de Cinema de Israel no domingo. Ao contrário do Dia do Cinema de Israel, que foi realizado há menos de um mês por iniciativa do Ministério da Cultura e incluiu apenas filmes israelenses, desta vez o preço com desconto também se aplicará a filmes estrangeiros exibidos nos cinemas. Entre os filmes exibidos estão How to Rob a Bank, Shrek, Scrooge, The Fugitive, Wild Forest, Tomorrow Will Be Good, Mrs. Talento de Highsmith, e Ramina. O cinema israelense contará com "Independência" de Moshe Rosenthal, que ganhou o Prêmio Ophir de Melhor Filme e representou Israel no Oscar, "Nossos Amores" de Avi Nesher e "A Piada" de Gidi Dar e Shuli Rand.

A atriz Barr Belfer ("Someone to Run With") morreu aos 37 anos.

A atriz, musicista e rádio Bar Belfer faleceu aos 37 anos. Seu funeral será realizado amanhã (segunda-feira) às 11:00 no cemitério para um descanso adequado em Kfar Saba. O obituário de sua família dizia: "Nossa amada se foi, e a canção de sua vida cessou no meio." Belfer tornou-se famosa aos 17 anos por seu papel principal em Somebody to Run With, e mais tarde também atuou na televisão, música e rádio. Em 2010, ela foi gravemente ferida em um acidente de carro e passou por um processo de reabilitação prolongada, após o qual ela gradualmente retomou o trabalho profissional. Nos últimos anos, ela transmitiu em Here Culture e também apareceu na série Here 11 "A corrupting angel". “Em choque e profunda tristeza, recebemos a notícia do súbito desaparecimento de Cham, a atriz Bar Belfer. É difícil digerir a morte de Bar, uma atriz, músico e cineasta talentoso, que, desde tenra idade, deixou uma marca no cinema e na televisão em Israel. Muitos de nós nos lembramos dela de seu papel memorável como Tamar em Someone to Run With. Desde então, Barr continuou a criar, tocar, cantar e encontrar outras maneiras de trazer a si mesma e sua voz única para o público. A notícia de sua morte súbita é particularmente dolorosa. "É com grande tristeza que participamos do luto pesado da falecida família de atrizes Bar Belfer", disse sua agência, Zohar Jacobson. "Neste momento difícil e doloroso, a família procura permitir que seu tempo e espaço para digerir a perda e lidar com a dor em particular." Belfer nasceu em Ramat HaSharon e estudou no departamento de música da Alon High School. Em 2006, aos 17 anos, ela estrelou o filme de Oded Davidoff, Someone to Run With, baseado no livro de David Grossman. Ela jogou Tamar,

Um jovem músico que se propõe a procurar seu irmão nas ruas de Jerusalém, e ao lado dela estavam Yuval Mendelson, Jonathan Bar-Or e Tzachi Grad. Por seu papel no filme, Belfer foi nomeada para um Prêmio Ophir. Em uma entrevista com Yedioth Ahronoth em 2007, Belfer disse que ela quase desistiu do papel icônico. “Eu disse a eles imediatamente para me deixarem em paz, eu não estou interessado nisso. Depois de uma semana eu fui chamada de volta, eu estava doente e eu já disse o suficiente, eu disse que eu não estava interessado nisso, tchau." Mesmo quando ela foi explicada que era uma grande oportunidade, ela permaneceu relutante: "Eu não sou uma atriz, eu realmente não sei como cantar também. Foi-me dito que é um presente, é uma recompensa – como você desiste? E eu disse a eles que havia um presente, mas eu não sei o que fazer com isso." O que mais a dissuadiu foi o medo da decepção: "Eu estava com medo de que eu iria falhar, que eu iria decepcionar um monte de pessoas que confiavam em mim." Paralelamente à sua carreira de atriz, Belper se alistou nas ondas IDF, onde ela trabalhou como repórter e editor no Foreign News Desk. Em março de 2010, durante seu serviço na estação, ela foi gravemente ferida em um acidente de carro na rodovia Ayalon. De acordo com relatos daquela época, o carro de Belfer estava preso perto do intercâmbio JNF, e ela saiu para verificar o mau funcionamento. Outro motorista bateu-lhe com força, e Belper foi surpreendido e bateu na estrada. Ela foi evacuada para o Hospital Ichilov quando estava inconsciente e sofrendo lesões multi-sistema. Belfer foi hospitalizado por duas semanas em terapia intensiva e passou um mês inconsciente. Depois que sua condição começou a melhorar, ela foi transferida para a reabilitação no Hospital Sheba em Tel Hashomer. O processo de reabilitação foi prolongado e incluiu fisioterapia e fonoaudiologia, e no decorrer do qual ela gradualmente retomou a fala, identificando seus parentes e amigos.

E móvel. Em outubro de 2010, cerca de sete meses após o acidente, Belfer retornou às ondas do IDF e apresentou uma história no diário da manhã como parte de um dia de transmissão especial para marcar o 60o aniversário da estação. Mais tarde, ela continuou a trabalhar em música e rádio. Ela estudou música em Rimon, e nos últimos anos tem transmitido em Here Culture. Junto com isso, ela continuou a aparecer como atriz, e entre seus papéis posteriores estava seu papel na série de terror Here 11, em que ela interpretou Shefie, irmã de Baer, interpretada por Tom Avni, bem como um papel no filme de Ram Nahari Don't Forget Me. Em 2018, ela se casou com seu namorado Dawn. O casamento foi realizado no Barbi Club em Tel Aviv, e o dossel foi realizado pelo músico Yehuda Eder, que ensinou sua música em Rimon.

“Possível Amor” prova que as lacunas entre ricos e pobres são muito mais profundas que o dinheiro

Em seus 29 anos como diretor, Li Chang-dong fez apenas sete filmes. Oito anos se passaram desde seu filme anterior e excelente, Burning, e agora ele retorna com Possible Love, uma peça de 164 minutos que lhe rendeu o Grande Prêmio do Júri no último Festival de Veneza. O cinema de Lee requer paciência, atenção e disposição para ficar com pessoas que não têm pressa em se revelar. Em troca, ele dá uma experiência cinematográfica que poucos diretores contemporâneos podem igualar. O fato de que "Love Is Possible" é uma produção de fonte da Netflix é quase inimaginável. De muitas maneiras, este é um filme que ignora o básico do gigante de streaming: abrir-se difícil de capturar a atenção dos espectadores. Em vez disso, Lee confia no público para se dedicar a um ritmo diferente, que decorre da percepção do cinema como a arte de observação. O significado está não só no que acontece na tela, mas também no que não acontece, no que não é dito e no que os personagens são incapazes de admitir, mesmo em si mesmos. Desde seu primeiro filme, Green Fish (1997), Lee construiu um pequeno mas incomum corpo de trabalho em sua consistência, em que a história privada serve como um ponto de partida para observar uma ampla realidade social, histórica e política. Seus sete filmes compartilham um profundo interesse em pessoas marginalizadas, as feridas que a sociedade não conhece ou deseja curar, e a lacuna entre como os seres humanos contam suas histórias de vida e a realidade em que elas existem. Lee, que veio ao cinema depois de uma carreira literária, traz para seus filmes a sensibilidade de um escritor que está interessado não só nas ações dos personagens, mas também em sua própria consciência, memórias e contradições internas. Sua grandeza em sua capacidade

Transformar situações aparentemente cotidianas em um espaço de complexidade moral e emocional do qual é difícil sair. O "amor possível" começa em duas famílias, ou mais especificamente em dois casais, cuja distância econômica e social é quase tão grande quanto a distância psicológica. Ho-seok (Sol Kyung-goo) é um trabalhador de fábrica que foi demitido após uma luta dos trabalhadores que terminou em derrota e violência severa. Dois anos depois, ele ainda é incapaz de se recuperar da humilhação, do golpe econômico e da perda dos "irmãos pequenos" – os trabalhadores que ele supervisionou na linha de montagem. Ele vive com sua esposa Mi-ok (John Du-Yun) e seu filho mais novo. Mi Oak, ela mesma uma trabalhadora de fábrica, tenta manter uma rotina familiar, mas ela é forçada a lidar com um marido que se tornou irritado, deprimido e retirado, e com uma família que está afundando economicamente. Durante um despertar para um ex-funcionário que cometeu suicídio, o casal conhece Ya-Gi (Chu Yu-jong), um documentarista que está interessado em trabalhadores que foram demitidos e no rescaldo da greve. Ye-ji é casado com Sang-woo (Zu In-Sung), um rico empresário com conexões no mundo financeiro, que está prestes a concluir um acordo significativo. Ela procura documentar a vida de Ho-seok e Mi-Ok, e o encontro profissional gradualmente se torna um relacionamento pessoal. Ela os convida para jantares, até mesmo encontros e recreação, e mais tarde também para a luxuosa casa da família de seu marido, que está situada em uma praia privada. Mi-ok encontra um lançamento na possibilidade de contar sua história para a câmera de Ya-G. Ao contrário dela, Ho-seok reage com suspeita e recuo. Seu estado mental é tão instável que ele é incapaz de falar sobre seus sentimentos, não na frente de sua esposa e certamente não na frente da câmera. Lee não está satisfeito com a colocação de duas famílias secundárias

Festas desafiadoras. Ele constrói uma relação entre eles em que a relação de poder está em constante mudança, e nunca se resume em uma simples distinção entre o explorador e o explorado. Ya-Gi não é uma exploradora sem escrúpulos – mesmo que ela manipule para ganhar sua confiança. A lacuna entre suas intenções declaradas e as condições materiais que lhe permitem operar é o cerne da questão. Ela pode se dedicar à vida de outras pessoas porque não é forçada a viver a deles. A tensão está se intensificando porque a relação entre os dois casais não é conduzida apenas no nível econômico. Mi-Ok é atraída para o mundo representado por Ya-Gi, para sua elegância, para sua confiança, e para a possibilidade de viver uma vida em que não há necessidade de calcular todas as despesas. Ela também é atraída, de uma forma que é difícil para ela admitir, para Sung-woo, um homem impressionante que já foi objeto de admiração de muitas mulheres. O ciúme econômico e o ciúme sexual são misturados, e o filme mostra como a diferença de classe penetra na paixão e no casamento. Ao mesmo tempo, a relação entre Mi Ok e Ho Sok é posta à prova. As demissões não só privaram Maho-seok de seu sustento. Eles danificaram sua identidade, seu orgulho e seu status dentro da família. O dano econômico torna-se uma lesão mental, e o trauma ocupacional permeia a intimidade do casal. Mi-ok se lembra da pessoa que ela amava, mas tem problemas para viver com a pessoa que ele se tornou. Ho-seok, por sua vez, é incapaz de dar-lhe o carinho e apoio que ela precisa, porque ele mesmo perdeu todo o senso de auto-estima. Lee não retrata a família pobre como um sacrifício puro, nem a família rica como um monstro social. Mi Ok não é apenas uma mulher fiel e dedicada Ela também é ciumenta, tentada

Para as possibilidades oferecidas pelo outro mundo, e dispostos a arriscar emocionalmente para experimentar algo da vida de outras mulheres. Ho-seok não é apenas vítima de um sistema econômico cruel, ele também é um homem cuja lesão às vezes o torna impermeável àqueles próximos a ele. Ya-Gi não é apenas uma criadora de consciência social, ela também é uma mulher que acha difícil distinguir a empatia da propriedade da história dos outros. E Sang-woo, embora incorpore o poder econômico que os outros enfrentam, não se reduz a um símbolo abstrato do capitalismo. Lee dá a seus personagens um espaço para sentir compaixão, desconforto, raiva e até mesmo afeto, às vezes ao mesmo tempo. Há continuidade temática e pontos interessantes entre o "amor possível" e os trabalhos anteriores de Lee. Em Peppermint Candy (1999), ele usou a estrutura de um movimento narrativo para revelar gradualmente a ligação entre o trauma nacional (o massacre de Kwangju) e o colapso mental de uma pessoa. Em "Possível Amor" não estamos falando de traumas originários da história nacional, mas sim de como a violência econômica deixa cicatrizes no indivíduo. A supressão da greve e a destruição da comunidade industrial não terminam quando os trabalhadores perdem seus empregos. Eles continuam a existir no corpo e na mente de Ho-seok, em seu relacionamento com sua esposa, e em uma comunidade onde os demitidos são referidos como os "mortos". Em Cantando (2010), uma mulher idosa, enfrentando o início da doença de Alzheimer, procura escrever poesia para entender o mundo e lidar com um crime terrível que seu neto foi cúmplice. Em "Possível Amor", a questão é invertida: o que a arte faz com as pessoas que ela pretende representar? Se ao “cantar” a arte é uma tentativa

Para restaurar o significado de um mundo que perdeu seu significado moral, aqui pode se tornar um mecanismo que permite que as pessoas privilegiadas se aproximem do sofrimento dos outros sem abrir mão de seus privilégios. Como o roteiro de "Burning" (2018), "Love Is Possible" também foi escrito em colaboração com o roteirista ou Jung-mi. Em ambos os filmes, as relações interclasses são desenvolvidas não apenas através de conflito aberto, mas através de tensão psicológica contínua, em que cada gesto e cada encontro podem ser interpretados de várias maneiras. Em The Burn, a lacuna entre um jovem de classe baixa e um homem rico, misterioso e autoconfiante se torna uma fonte de ansiedade, ciúme e obsessão. Em Possível Amor, essa tensão se espalha por quatro personagens, tornando-se um relacionamento mútuo no qual tanto os poderosos quanto os impotentes são vulneráveis. Em ambos os casos, Lee não apresenta o status econômico apenas como uma condição social externa. Ele está interessado em como ele molda a consciência, o senso de auto-estima e a capacidade de acreditar que outra pessoa pode querer estar ao seu redor sem interesse. “Possible Love” é um filme sobre a possibilidade de ver outra pessoa de verdade, e não apenas a história que queremos contar sobre ela. Oito anos depois de Burning, Lee retorna com uma peça que justifica a longa espera. Ele pode ser menos misterioso e mais direto do que seu filme anterior, mas ele oferece extraordinária riqueza emocional e moral, e é outro capítulo em uma das filmografias mais impressionantes do cinema contemporâneo.

Mike Lee não vai mostrar seus filmes aqui, "até que os israelenses decidam o que querem fazer"

O célebre cineasta britânico Mike Lee tornou-se conhecido ao longo dos anos como um humanista que explora seus dramas pequenos, modestos e íntimos para sutilmente traçar linhas para a semelhança de seres humanos simples da vida e mapear a relação entre eles. Assim, por exemplo, em sua obra-prima de 1996, Segredos e Mentiras, que tocou os corações de muitos ao redor do mundo, e também em Israel. Apesar de sua busca para destilar mensagens universais além da política, no que diz respeito a Israel, Lee, o judeu rotineiramente boicota seus fãs locais sobre sua oposição de longa data à sua liderança contra o pano de fundo do conflito com os palestinos. Em uma entrevista especial para RJN, o diretor de 83 anos anuncia que, como seus últimos filmes, o novo, Tender Loving Care, não será exibido em Israel. "Se você me perguntar qual é a minha mensagem para os israelenses, está claro o que os israelenses precisam fazer, e está claro o que os israelenses precisam parar de fazer. E essa é a essência disso. “Este filme não será lançado em Israel, o que é uma pena, porque eu sei que há uma apreciação pelo meu trabalho em Israel. Mas até que os israelenses, com todo o respeito, decidam o que querem fazer com os ossos, esse será o caso. Não é bom." Nem sempre foi o caso. Em 1991, Lee veio a Israel como convidado do Festival de Jerusalém. Quase duas décadas depois, no entanto, quando ele foi convidado a retornar a Israel para participar de um workshop de artistas em nome da Escola Sam Spiegel, o diretor anunciou o cancelamento da visita contra o pano de fundo da Lei de Confiança – de acordo com a qual a obtenção de cidadania para não-judeus seria condicionada por um juramento de fidelidade a "Israel como um Estado judeu e democrático".

Águas e outros. Segundo ele, o mundo inteiro mergulhou no nacionalismo, racismo, violência e exploração econômica do lado direito do mapa político – o mais longe possível das ideias que ele está tentando expressar em seus filmes. É difícil dizer que ele está cheio de otimismo para o futuro. “As pessoas estão morrendo, e isso tem que acabar em breve, e quanto mais cedo, melhor. As pessoas na Ucrânia têm enfrentado este absurdo da guerra da Rússia por vários anos. Absolutamente nenhuma ideia de como isso vai acabar. É ótimo que a Ucrânia esteja lutando, mas é um desperdício de vida humana. E assim é o que está acontecendo na Palestina, e sim, também em Israel, na verdade, e em outros lugares. "Eu tenho uma deficiência física que torna o funcionamento muito difícil" Como a maioria de seus filmes, Tender Loving Care também é o produto de uma produção medida e de baixo orçamento, cujas forças emocionais decorrem precisamente da simplicidade do enredo que depende de conexões pessoais e sua visualização através dos atores. Ao lado de sua parceira Marion Bailey e seu amigo de longa data Paul Wesson, que estrelaram e trabalharam juntos ao longo dos anos, desta vez estão no centro de duas jovens atrizes – Alice Bailey Johnson (a enteada de Lee, que apareceu em seus filmes finais) e Kate O'Flynn (a vencedora do Emmy em Widows Bay). Os dois incorporam assistentes sociais ao lidar diariamente com os desafios profissionais de cuidar e acompanhar as pessoas necessitadas e suas vidas individuais. O filme nos lembra que eles os têm, assim como os assistentes sociais em todo o mundo. Esta é uma história que eu não explorei antes, mas o que liga este drama particular aos seus trabalhos anteriores é a divergência de informações e emoções, entre as duas.

O que está escondido do que é revelado e flutuando para a superfície – um caminho perfeitamente projetado em sua amada obra-prima "Segredos e Mentiras". “Não é convencional que exista em outros lugares. O que importa é que a maneira como nos aproximamos, a maneira como trabalhamos nessas coisas, é que os atores precisam se tornar personagens. E quando eles estão no personagem, eles são totalmente o personagem, e você pode ir a qualquer lugar com eles e explorá-lo ", explica-me a forma como a experiência cinematográfica cristaliza durante as filmagens. Você chega ao ponto em que você destila em momentos que importam, os momentos dramáticos, quando você traz essas coisas à superfície. Precisamos fazer isso acontecer de uma maneira que sempre seja consistente com os personagens 3D e real. Não há trapaça nisso. De seu primeiro longa-metragem Bleak Moments de 1971 até os dias de hoje, Lee formulou um distinto corpo de trabalho, que tem sido altamente considerado tanto em seu país natal, o Reino Unido e ao redor do mundo – incluindo em Hollywood, que funciona tão diferente dele, mas que reconheceu as qualidades e sutilezas de seu trabalho no 1997 Oscar-nomeado Segredos e Mentiras. O próprio Lee fez sete indicações para uma estatueta de ouro até hoje como diretor e roteirista de Segredos e Mentiras, Vera Drake (2005), Free and Happy (2008) e Ano Novo (2010). Na Riviera Francesa, ele se tornou um nome familiar com um Golden Palm Award para "Secrets and Lies" – e mesmo antes disso, em 1993, com um prêmio de Melhor Diretor para "Naked", que também ganhou seu astro David Theulis um Actor's Award (semelhante ao Timothy Spall's 21 anos depois, no drama de época de Lee "Mr. Turner).

Tender Loving Care, que ganhou o grande prêmio no prestigiado Festival de San Sebastian, na Espanha, também deve inspirar ecos durante a corrida do Oscar. Mas mesmo que sejam cinco décadas de trabalho produtivo e bem-sucedido, Lee acha que seu desenvolvimento ao longo dos anos é extremamente moderado. “Eu ainda abordo isso com meus colegas, os jogadores, da mesma forma que fiz quando comecei a fazer exatamente 60 anos atrás. Mas todos os processos criativos ou processos crescem, e eles crescem de todas as maneiras. Claro, esta não é apenas a experiência de fazer, mas a experiência do mundo. Meu ponto de vista, meus sentimentos, minha visão do mundo, mas isso necessariamente cresce com o tempo. As coisas mudaram à medida que envelheci. Sempre houve alguma mudança sutil que não poderia ser facilmente definida na minha abordagem às coisas depois que me tornei pai, na época. E embora seja difícil colocar o dedo nele com precisão, não há dúvida sobre isso. Na prática, você desenvolve ferramentas novas, diferentes e mais sofisticadas na caixa de ferramentas, mas basicamente, é praticamente a maneira como eu sempre fiz filmes." Lee pode não reconhecer mudanças significativas em seu trabalho ao longo dos anos, mas é claro que fisicamente seu corpo passou por mudanças e estas limitaram seu trabalho recente, e de acordo com sua previsão vai acabar com sua carreira em breve. Antes da estreia de Tender Loving Care no Festival de Telluride e imediatamente depois no Festival de Toronto, o diretor anunciou que era provavelmente seu último filme, e isso a partir da realidade da musite que ele estava sofrendo – uma doença multi-sistema que poderia danificar seus músculos, pele, articulações, pulmões, coração e trato digestivo, tornando seu movimento difícil. “Eu tenho uma deficiência física que torna o funcionamento muito difícil.

No entanto, nós fizemos este filme e gostamos”, ele relata: “Eu não sei como me sentirei em um ano ou dois. Há outras coisas para fazer. Não é tão grande como realmente é. Eu tenho uma irmã que é cerca de 25 anos mais velha do que eu e não tem nada a ver com o cinema, mas 20 anos atrás ela me disse que não entende por que eu não estou me aposentando. "O que você deixa para trás, que a indústria cinematográfica e o mundo em geral serão perdidos no futuro? "É uma pergunta difícil, e muito impertinente. Sou um grande cinéfilo. Adoro filmes. Eu amo assistir filmes toda a minha vida, mas meu instinto natural, e meu compromisso, além de todos os filmes, sempre foi, desde criança, olhar para o mundo e querer capturá-lo. Expresse-o e cuide dele. E isso significa cuidar das pessoas. Isso é tudo o que eu tentei fazer em todos os filmes que fiz, e também nas peças por uma razão ou outra." Marion Bailey, que está ao lado de seu parceiro em sua casa compartilhada, e também no set, pode continuar com ele em suas vidas privadas, mas ela reconhece a privação esperada para seus fãs após o filme atual, no qual ela interpreta a mãe de um dos assistentes sociais. “A coisa brilhante sobre Mike é que ele é único, ninguém mais trabalha como ele. Há algumas pessoas que tentaram, e eu trabalhei com algumas pessoas que tentaram algo semelhante, e isso realmente não funcionou. Não da maneira que o Mike faz. Ele o inventou, ele o criou. E, claro, é apenas uma coisa de uma só vez, mas haverá outras pessoas, jovens, que um dia produzirão sua coisa de uma só vez." E talvez sejam apenas os simples filmes de compaixão diários carregados de humanidade que se tornarão irrelevantes em nosso mundo em movimento frio.

Alienado e cada vez mais desumano por causa de líderes poderosos, empresários gananciosos e tecnologia de IA. Todos estes estão unidos de uma forma sem emoção ou moral no momento presente. “Os personagens do filme se preocupam uns com os outros, e todos nós podemos precisar de alguém em um futuro próximo para se importar com o carinho, o que é um pouco irônico”, diz Lee. Em uma sociedade que está se tornando materialista e cínica, o cuidado como profissão está sob ameaça óbvia. Algumas mulheres fazem esse trabalho e enfrentam uma calha quebrada. Eu não quero cultivar para mim mesmo nas costas, mas vem de como eu me sinto sobre as pessoas e o mundo, e eu olho para a vida de verdade, isto é. E, no entanto, espero que meus filmes não sejam completamente irônicos, assim como o último. Eu acho que há ironia nisso.”

Sebastian Lelio, diretor vencedor do Oscar, morreu aos 52 anos.

O diretor e roteirista chileno Sebastian Lelio, vencedor do Oscar de Melhor Filme Internacional de Mulher Fantástica (2017), faleceu hoje (sexta-feira) aos 52 anos. De acordo com relatos da mídia no Chile, Liu foi encontrado morto em sua casa no bairro de Las Condes, em Santiago. Sua família confirmou sua morte em um comunicado, dizendo que ele havia morrido "por razões de saúde", sem especificar as circunstâncias de sua morte. Estamos passando por um momento de grande dor, e sua memória permanecerá conosco para sempre. Ele foi um homem maravilhoso que contribuiu muito para a cultura chilena em momentos significativos de sua história”, disse a família em um comunicado. Lelio nasceu em Mendoza, Argentina, de pai argentino e mãe chilena. Quando ele tinha dois anos de idade, sua família se mudou para o Chile, e ele cresceu no país e mais tarde frequentou a Universidade do Chile Film School. Seu caminho começou com a criação de curtas-metragens, e mais tarde ele passou a dirigir longas-metragens. Seu primeiro longa-metragem, La Sagrada Familia, foi exibido no Festival de San Sebastian de 2005 e foi reconhecido em festivais ao redor do mundo. Seu avanço internacional veio com Gloria (2013), estrelando Paulina Garcia, que interpretou uma mulher em seus 50 anos que procura reabrir sua vida romântica. O filme foi aclamado no Festival de Cinema de Berlim, e Garcia recebeu o Prêmio Urso de Prata de Melhor Atriz. O sucesso marcou o início de uma carreira internacional para Lelio, que muitas vezes se envolve em seus filmes com personagens que lidam com convenções sociais, solidão, paixão e a busca pela liberdade pessoal. O destaque de sua carreira veio com "Fantastic Woman", estrelado por Daniela Vega, que foi lançado em 2017. O filme conta a história de Marina, uma mulher.

Uma mulher transgênero forçada a lidar com discriminação e tratamento hostil por seus arredores após a morte de seu parceiro. O trabalho ganhou o Oscar de Melhor Filme Internacional na cerimônia de 2018, tornando-se o primeiro filme chileno a ganhar um prêmio de categoria. Após o sucesso de Hollywood, Lelio dirigiu "Desobediência", um drama estrelado por Rachel Weiss e Rachel McAdams, sobre duas mulheres que se encontram novamente em uma comunidade judaica ortodoxa em Londres, "Gloria Bell", uma adaptação americana de seu filme "Gloria", estrelado por Julianne Moore e "The Wonder" (2022), um drama da Netflix estrelado por Florence Pugh, sobre uma irmã que é enviada para uma aldeia na Irlanda para investigar. Seu último longa-metragem foi La Ola, lançado em 2025 e exibido no Festival de Cannes. No momento de sua morte, Lelio estava trabalhando em uma adaptação cinematográfica do romance do autor chileno Alejandro Sambra, Poeta Chileno.

John Malkovich a caminho do Oscar? Wild Horse Nine é um polonês cinematográfico

Duas pessoas, uma mais velha e duas mais nova, estão andando em um lugar estranho, aparentemente sem um propósito específico. A vida é aquela coisa que os conecta. No caminho, o mais velho se certifica de bater sua filosofia existencial não tão alegre nos ouvidos de qualquer um que está apenas disposto a ouvir. O diretor e ator Martin McDonagh já fez isso antes, em sua comédia negra Bruges (2008), e agora está retornando ao formato em seu novo filme de dupla Wild Horse Nine, também conhecido como um filme que pode finalmente trazer o tão esperado Oscar para John Malkovich. É difícil não identificar os efeitos de Samuel Beckett no filme atual de McDonagh. Primeiro de tudo, porque são dois homens cuja relação é principalmente conduzida através de brigas mútuas e espera absurda no lugar mais estranho imaginável, em direção a uma tarefa obscura cujos detalhes se tornam aparentes à medida que o filme progride. Acima de tudo, há a consciência da morte, e o desespero existencial também não está ausente. Mas a ausência de significado existencial – pelo menos para o homem mais velho – realmente entra em conflito aqui com o contexto histórico e com um fundo físico mergulhado em significado mitológico e espiritual. Para o enredo "Wild Horse Nine" ocorre em 1973, e os dois homens em questão são Chris (Malkovich) e Lee (Sam Rockwell), agentes da CIA estacionados em Santiago, Chile, como parte do envolvimento americano planejado na expulsão do presidente eleito Salvador Allende. espera de ação, eles partiram para um feriado na Ilha de Páscoa, talvez o lugar mais inesperado para pensar, onde as "grandes cabeças" são encontradas como Chris braductly chama as estátuas de pedra gigantes criadas pelos nativos. Ele, a propósito, despreza o arbusto

O progressista que o obriga a chamar os nativos indígenas originais, e os escultores – Moai. Não tenho certeza de que o politicamente correto tenha soado dessa forma em 1973, mas essa é a maneira de MacDonagh de censurar as críticas que foram feitas a ele nos últimos anos devido ao uso de frases racialmente carregadas em algumas de suas obras. O que eles estão fazendo na Ilha de Páscoa, a ilha habitada mais isolada do mundo, com muitas perguntas ainda sem resposta hoje? Supostamente, nada e nada. Esperando Godot. Mas sabemos que Chris está morrendo e que seu melhor amigo estava viajando com ele principalmente para ficar de olho nele. A tarefa acaba por não ser simples, porque Chris tende a ser excessivamente tagarela e revela seu envolvimento em assassinatos e operações secretas. Além disso, ele começou a gravar sua autobiografia que começa na era dos dinossauros, não de uma forma figurativa que o chefe dos dois (Steve Buscemi) absolutamente não gosta. A história também envolve um par de estudantes chilenos inocentes (Mariana Di Girolamo e Eileen Sellas), um dos quais consegue reprimir o cinismo de Chris e evocar nele uma emoção humana que é tão esquecida. Wild Horse Nine se passa na tensão entre a mitologia das operações secretas dos homens e a humanidade frágil que se esconde por trás dela. O velho Chris pertence ao mundo sombrio da morte, traição e mentiras que ele carrega com ele uma aura de uma figura sombria que a história oficial nunca reconhecerá em suas ações. Mas McDonagh está interessado nas rachaduras dentro dessa mitologia: na doença, no vício, no envelhecimento e na necessidade quase desesperada de encontrar sentido na vida. O nome do filme também soa como um nome de código.

Tirado do mito das operações secretas, ele se encaixa neste jogo entre mito e realidade. Os gigantes da Ilha de Páscoa se lembram do nome de um filme de alto-falante de Kosashvili e do cartão de uma série de maravilhas do mundo que coletamos como uma criança enfatizam esse aspecto, especialmente quando McDonagh coloca os personagens humanos na frente das estátuas monumentais. As tentativas de Chris de atrofiar uma das maravilhas da civilização humana enquanto ele enfrenta a eternidade apenas ressaltam a falta de sentido de sua existência. Em uma cena brilhante, McDonagh retorna ao Monument Valley, a icônica paisagem americana em que o enredo de muitos dos clássicos ocidentais ocorre, mais notavelmente os filmes de John Ford ("The Mail Chariot", "The Seekers"). Desta vez, no entanto, em vez dos heróis mitológicos ocidentais, ele coloca no coração da paisagem monumental o personagem do irmão de Chris (uma maravilhosa aparição de Tom Waits), cujo vínculo foi cortado anos atrás. Isso cria um drama familiar íntimo que oferece a possibilidade tardia de reconciliação contra o pano de fundo da morte iminente. As paisagens, que são um dos principais protagonistas do filme, assim como os clássicos westerns americanos (e de fato há em Wild Horse Nine algo do espírito ocidental), enfatizam para sempre a impermanência da existência humana e a pequenez da pessoa que está na frente deles. A propósito, Wild Horse Nine acaba por ser o segundo filme filmado na Ilha de Páscoa, depois do filme de aventura histórica Rapa Nui de 1994 de Kevin Reynolds. De fato, as paisagens incomuns da ilha são muito mais do que um pano de fundo para o evento e são uma fonte considerável de prazer que o filme proporciona através do encontro entre a beleza antiga do lugar e a câmera de Ben Davis, a imagem constante de McDonagh, o receptor.

Ele perfeitamente. Diante dessas paisagens eternas, a longa história da violência do Estado americano também é retratada como sem sentido. Chris realmente tirou 68 pessoas como ele casualmente aponta? Os crimes do passado fazem parte das memórias cada vez mais desintegrantes de Chris, e à medida que o filme avança, a incerteza sobre suas histórias aumenta. Ele não é mais capaz de distinguir entre o que aconteceu e o que ele imagina que aconteceu? É difícil não lembrar, neste contexto, a famosa declaração de John Ford de The Man Who Shot Liberty Valance (1962), que quando a lenda se torna fato, a lenda é impressa. Mas a linguagem já não parece ter muito de uma lenda para imprimir, e os fatos também desaparecem. McDonagh não oferece um balanço político ordenado, mas mostra como a culpa por crimes passados também está se tornando borrada junto com a memória em ruínas daqueles que os cometeram. Ainda assim, ele lhe oferece redenção através de um retorno espirituoso e irônico a um dos traumas que assombram a história americana moderna. Wild Horse Nine é uma comédia muito divertida. Mas, antes de tudo, é um filme de atores, liderados pelos maravilhosos Malkovich e Rockwell, que projetam personagens precisos que combinam a melancolia e o grotesco. É também um filme muito excêntrico, mas a estranheza de seus personagens não vem à custa de sua emoção e humanidade. Tem algo do humor negro e da violência macabra dos filmes dos irmãos Coen, e algo do espírito dos ocidentais tardios na forma de "o bando de selvagens" – aqueles que assistiram seus heróis envelhecidos no momento em que foram forçados a se separar não só com seu passado, mas também com a mitologia que deu significado às suas vidas. É um grande filme.